De la nada al New Deal: cómo Boris Johnson podría seguir a FDR y Save the Arts.

Mientras Estados Unidos luchaba contra la Gran Depresión en 1933, se encargó a 25 artistas que pintaran murales que representaran aspectos de la vida californiana en las paredes de Coit Tower en San Francisco. Se les pagaba al menos US$$ 25 por semana, el equivalente a alrededor de £400 en la actualidad. Encargados de embellecer los edificios públicos, los artistas aprovecharon la oportunidad para hacer alguna travesura. El mural de Bernard Zakheim muestra a un trabajador de la biblioteca estropeando un periódico con una mano y recogiendo Das Kapital de un estante con la otra. El tríptico de Clifford Wight representa el capitalismo, el New Deal y el comunismo, con el último panel que contiene una hoz y un martillo y la leyenda "Trabajadores del mundo, uníos". Tras una virulenta campaña de prensa, la hoz y el martillo fueron retirados un año después.

Los murales de Coit Tower fueron la iniciativa piloto del Public Works Arts Project, creado para proporcionar trabajo a los artistas en apuros. Harry Hopkins, secretario de comercio de Franklin D Roosevelt y uno de los arquitectos del New Deal, dijo: "¡Demonios, necesitan comer como los demás!". Así comenzó el primer proyecto artístico del New Deal, parte de una década de banca de artistas que ha nutrido a algunos de los mejores pintores y fotógrafos de Estados Unidos.

Desde el comienzo del confinamiento en el Reino Unido, los fideicomisarios han pedido una financiación similar para las artes aquí. Recibieron un impulso inesperado cuando el ministro del gabinete Michael Gove argumentó recientemente que el New Deal de FDR había logrado "salvar el capitalismo, restaurar la fe en la democracia, extender su gobierno, renovar la reputación del gobierno y poner a su país en el camino para aumentar la prosperidad y la igualdad de oportunidades". . por décadas." Boris Johnson dijo más tarde a un entrevistador de radio que era hora de un "enfoque rooseveltiano de la economía".

¿Será el paquete de rescate del gobierno de Johnson, que promete 1570 millones de libras esterlinas para las artes, tan ambicioso y de gran alcance como el programa de FDR? En solo unos meses, el Proyecto de Obras de Arte Públicas de Estados Unidos (PWAP) contrató a 3.749 artistas y produjo 15.663 pinturas, murales, grabados, artesanías y esculturas para edificios gubernamentales. Este y otros proyectos sucesivos le dieron a las artes un gran impulso financiero y revolucionaron la forma en que los artistas interactuaban con el pueblo estadounidense.

Un programa fue el Proyecto Federal de Escritores, que empleó escritores para entrevistar a los últimos afroamericanos vivos que habían sido esclavizados, proporcionando una historia oral vital. Músicos financiados por el Proyecto Federal de Música grabaron música folklórica y de jazz e impartieron lecciones de música. El Proyecto Federal de Teatro introdujo espectáculos itinerantes en lugares a los que aún no había llegado el teatro profesional.

El Federal Art Project desarrolló las habilidades de 10.000 artistas, incluidos Stuart Davis, Marsden Hartley, Arshile Gorky, Philip Guston, Willem de Kooning, Lee Krasner, Jacob Lawrence, Norman Lewis, Alice Neel, Ad Reinhart y Mark Rothko. una época de pocos encargos privados. Krasner, quien trabajó como camarera y modelo para artistas antes de ser contratada para trabajar en murales que a menudo no se realizaban (su asistente era su esposo, Jackson Pollock), dijo una vez que la iniciativa le salvó la vida. Ciertamente le dio a ella y a la carrera de otros artistas un impulso oportuno.

No menos significativo fue el proyecto fotográfico de Farm Security Administration, una agencia del New Deal creada para combatir la pobreza rural. Gordon Parks, Walker Evans y Dorothea Lange estaban entre los fotógrafos contratados para documentar la difícil situación de los agricultores pobres. La famosa imagen de Lange de Florence Owens con dos hijos, titulada Madre migrante, fue una de las cientos de miles de imágenes tomadas.

La icónica fotografía de Parks de un limpiador del gobierno afroamericano se tomó mientras documentaba la vida de los negros en Washington DC en 1942. "Había experimentado una especie de intolerancia y discriminación aquí que nunca esperé", dijo. “Al principio le pregunté a [Ella Watson] sobre su vida, cómo era y [fue] tan desastrosa que sentí que necesitaba fotografiar a esta mujer de una manera que me hiciera sentir a mí o al público cómo era Washington D.C. en 1942. Así que la coloqué frente a la bandera estadounidense con una escoba en una mano y un trapeador en la otra. Parks lo llamó un gótico americano, basándose satíricamente en la pintura de 1930 de Grant Wood del mismo nombre.

Vale la pena recordar cómo el New Deal para las artes terminó en la mira de los conservadores. El Proyecto de Teatro Federal fue acusado por el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de estar infiltrado por comunistas y representar obras de teatro con mensajes socialistas. En 1937, la Works Progress Administration cerró The Cradle Will Rock, una obra musical escrita por Marc Blitzstein y dirigida por Orson Welles como parte del Federal Theatre Project. El gobierno fue acusado de censurar la producción de Broadway porque contó una historia a favor de los sindicatos sobre los trabajadores del acero que luchan contra su malvado jefe.

Todavía existen unas 200.000 obras de arte del New Deal: murales, pinturas, esculturas, artesanías, decorados de teatro, carteles y fotografías. En la oficina de correos de Plymouth, Pensilvania, por ejemplo, queda un mural titulado Meal Time With the Early Coal Miners de Jared French. Un grupo de buscadores de oro con el torso desnudo y pantalones ajustados se lavan y se limpian. Si miras a la derecha, hay un hombre desnudo en un bote con un sombrero sobre los genitales.

"La gente va a la oficina de correos a comprar sus sellos", dijo secamente al New York Times Barbara Bernstein, fundadora del New Deal Art Registry, "y hay una obra de arte homoerótica en la pared". Bernstein parece un poco escéptico, pero seguramente este es precisamente el tipo de paquete de estímulo que necesitamos después del cierre.

Hans Ulrich Obrist, director artístico de Serpentine Galleries en Londres, toma una perspectiva más filosófica en su llamado al gobierno británico para que financie las artes como lo hizo Estados Unidos. “En este momento, es particularmente importante que las instituciones de arte piensen en cómo pueden ir más allá de sus paredes y llegar a todos”. Cita al filósofo estadounidense John Dewey, quien temía que “el surgimiento del capitalismo haya tenido una poderosa influencia en el desarrollo del museo como un lugar adecuado para las obras de arte y en la promoción de la idea de que están separadas de la vida ordinaria. ”.

Para que esto suceda, el arte debe liberarse de la idea de que consiste en productos de lujo para coleccionistas u objetos inescrutables en los museos, y reconectarse con la gente. Arte para millones, no para pocos. “Dewey quería recrear una continuidad entre las formas refinadas de experiencia que atribuía a la obra de arte y los eventos cotidianos que dan forma a nuestra experiencia”, dice Obrist. Un nuevo acuerdo no solo ayudaría a los saldos bancarios de los artistas, sino que enriquecería sus vidas. Obrist llama a esta posibilidad la Gran Transición, hacia “una nueva era de imaginación social”.